Tag: Info Musik

Kate Bush Bergabung dengan Deretan Bakat Menulis Lagu yang Gemerlap sebagai Rekan Ivors Terbaru

Kate Bush, grand dame pop Inggris, baru saja dianugerahi beasiswa bergengsi Ivors Academy, asosiasi profesional independen Inggris untuk pembuat musik. Suatu kehormatan yang pantas. Bush adalah artis yang dalam banyak hal membuka pintu bagi kreator wanita di industri musik Inggris Raya.

Dia memiliki single nomor satu yang ditulis sendiri oleh wanita. Dan menjadi orang pertama yang menulis semua lagu untuk album debut yang terjual lebih dari satu juta kopi. Dia juga membuat terobosan baru dengan memproduksi albumnya sendiri dan mengambil kendali atas manajemen dan penerbitan musiknya sendiri.

Pujian Bush mengikuti jejak penyanyi-penulis lagu Joan Armatrading, yang menerima penghargaan yang sama pada awal September 2020. Kedua wanita tersebut memiliki suara artistik yang berbeda. Dengan lagu Armatrading yang sering digerakkan oleh gitar menyelidiki kompleksitas hubungan pribadi  . Dan lebih fokus pada Bush tentang naratif, suasana hati, dan soundscapes sekitar. Fitur musik yang umum adalah keterlibatan bersama dengan kerumitan ritme, yang keduanya ditangani dengan kecanggihan dan kehalusan yang luar biasa.

Ivors Academy Fellowship dianggap sebagai penghargaan tertinggi bagi para komposer dan penulis lagu Inggris karena diberikan oleh rekan-rekan kreatif. Daftar rekan adalah siapa dari musik pop yang hebat dan bagus, termasuk Paul McCartney, Tim Rice, Andrew Lloyd Webber. Annie Lennox, Elton John, Peter Maxwell Davies dan David Arnold. Keanggotaan klub elit ini mencakup teater musikal, dunia pop dan klasik. Dan penambahan Armatrading dan Bush menambah keragaman yang disambut baik.

Dengan Ivors Awards yang telah berlangsung selama 64 tahun, para penerima beasiswa mewakili generasi baby-boomer pascaperang. Dan kesuksesan global industri musik dan hiburan populer Inggris, yang kini terancam akibat COVID-19.

Menskalakan Ketinggian

Bush dibesarkan di dekat Bexley, Kent di tenggara Inggris. Dengan pendidikan Katolik, ayahnya adalah seorang dokter umum dan ibunya yang orang Irlandia terlibat dalam gerakan tarian tradisional Irlandia. Keluarganya adalah musisi dan saudara laki-laki Bush aktif dalam panggung rakyat setempat. Dia belajar piano sendiri pada usia 11 tahun dan, didukung oleh keluarganya, segera mulai menulis lagu sendiri.

Melalui teman keluarganya, Bush berhubungan dengan Dave Gilmour, gitaris dan penyanyi Pink Floyd, yang membantunya mengumpulkan beberapa rekaman demo. Di belakang demo ini, Bush menandatangani kontrak rekaman dengan EMI, berusia 16 tahun. Dan menggunakan sebagian dari uang muka untuk mendanai pelatihan sebagai artis pantomim. Dan kelas tari dengan guru David Bowie, Lindsay Kemp. Keterlibatan dengan gerakan dan teater ini menjadi ciri khas video musik dan pertunjukan live-nya.

Dampak dari single pertama Kate Bush, Wuthering Heights, yang diikuti oleh album The Kick Inside, langsung terasa dan kuat. Dirilis pada Februari 1978, ketika dia berusia 19 tahun, lagu itu sangat halus, canggih. Dan menampilkan visi artistik yang sangat lengkap. Itu ada di dunia yang sama sekali berbeda dengan apa yang ada di tangga lagu pada saat itu.

Ketika saya pertama kali mendengar Wuthering Heights sebagai anak sekolah berusia 16 tahun. Saya terpesona oleh permainan piano dan nyanyian Bush, kompleksitas melodi, metrik dan harmonis. Dunia emosional yang luar biasa, kiasan sastra dan dunia lain seksual dan dunia lain. Daya pikat musik yang ia pancarkan. Bagaimana bisa orang yang hanya tiga tahun lebih tua dariku bisa sekeren itu; itu berbakat?

Pengaruh Bush tampak jelas – musik rock pastoral dari Genesis dan penyanyi-penulis lagu Joni Mitchell dan Laura Nyro muncul dalam pikiran. Tetapi karya Bush menggabungkan ini dengan kepekaan wanita Inggris yang ditanamkan dengan sentuhan Gotik untuk menciptakan sesuatu yang benar-benar unik.

Masih Berlari Mendaki Bukit Itu

Dengan karya yang mencakup 25 hit 40 teratas Inggris dan sepuluh album 10 teratas Inggris. Tidak ada yang bisa menuduh Bush mengabaikan publiknya. Tapi ada jeda yang lama di antara album. Dan jarak yang hampir tak tertahankan bagi penggemarnya antara “Tour of Life” 1979. Dan residensinya tahun 2014 di Hammersmith Apollo London. Seri dari 22 pertunjukan teater inilah yang menjadi tiket terpanas di kota. Dan menegaskan kembali posisi Bush di hati publik Inggris.

Bagaimana album Bush setelah The Kick Inside bertahan dalam pemeriksaan? Lionheart adalah tindak lanjut 1978 dan lebih merupakan bagian pendamping daripada pengembangan. Pada 1980-an, urutan lima album – dimulai dengan Never For Ever pada 1980. Melihat Bush menggunakan teknologi pengambilan sampel baru dari synthesizer Fairlight CMI. Yang – kadang-kadang – tampaknya mengalahkan keterampilan menulis lagunya.

Kembalinya Musik Komersial

Pada tahun 1985, Hounds of Love kembali ke bentuk komersial dengan A-side chock penuh dengan single hit. Termasuk Running Up That Hill. Tapi album berikutnya dari materi asli tidak muncul sampai tahun 1989 dengan The Sensual World. Dan lagu yang menonjol, karya plangen This Woman’s Work. Album studio berikutnya adalah The Red Shoes tahun 1993, dengan Rubberband Girl yang dipengaruhi jiwa sebagai single hit.

Pada tahun 2005 setelah jeda karir yang panjang, Bush merilis album ganda Aerial. Dinominasikan untuk Artis Solo Wanita Inggris Terbaik dan Album Inggris Terbaik di Penghargaan BRIT 2006. Tapi masih belum ada tur untuk menenangkan penggemar Bush.

Album kesepuluhnya, 50 Words for Snow, keluar pada tahun 2011 dan dengan cepat memantapkan dirinya sebagai favorit penggemar. Dan kritikus yang mencapai nomor lima di tangga lagu Inggris. Duet dengan Elton John, Snowed in di Wheeler Street, sangat mempengaruhi secara emosional.

Karier Bush telah menetapkan standar yang tinggi dan template bagi musisi yang menginginkan kebebasan artistik. Dan kebebasan untuk mengelola jalur mereka sendiri melalui promosi komidi putar. Harapannya sekarang adalah kehormatan ini akan memacu dia. Dan kita akan mendengar dari ratu sirene Inggris dengan album baru dan pertunjukan langsung yang sangat didambakan oleh penggemarnya.

 

Royal Blood Memberi Tahu Kami tentang ‘Trouble’s Coming’ dan Album Baru Mereka: “Kami Melihat Warna untuk Pertama Kalinya”

Lihat lagunya di sini, saat Mike Kerr berbicara dengan NME tentang album Nomor Tiga. Dan suara “disko memenuhi AC/DC” baru mereka

“Lagu ini adalah momen yang sangat penting bagi kami,” pentolan Royal Blood, Mike Kerr. Memberi tahu NME tentang single comeback band yang telah lama ditunggu-tunggu, ‘Trouble’s Coming’. “Kami sangat lapar dan mencari sesuatu yang terasa baru, tetapi tidak akan merusak apa yang telah kami buat selama bertahun-tahun. Kami membutuhkan sesuatu yang belum pernah kami lakukan sebelumnya, dan ini adalah lagu pertama yang muncul bersama. ”

Trouble’s Coming

Semburan musik rock dance bombastis dengan rasa Daft Punk, ‘Trouble’s Coming’ adalah titik balik yang menginspirasi. Mood album ketiga duo rock Brighton mendatang – album pertama mereka sejak ‘How Did We Get So Dark’ tahun 2017. Kali ini, inspirasi mereka bergerak.

“Kami menyadari bahwa suara yang jauh lebih dancier ini benar-benar bergantung pada jenis musik yang sudah kami buat,” kata Kerr. “Kami menemukan ini melalui garis antara musik rock klasik, musik dance. Dan musik disko dimana, bagi saya, beberapa fretting terbaik yang pernah ada adalah AC / DC. Mereka selalu memainkan ketukan lurus ini. Ini seperti detak jantung melalui lagu yang tidak pernah berhenti. Kemudian riff ini dipotong begitu saja. Yang harus kami lakukan hanyalah mempercepatnya dan itu memberi kami pendekatan baru terhadap apa yang kami lakukan. Rasanya seperti kami melihat warna untuk pertama kalinya.

“Kami memiliki tingkat kegembiraan yang sama seperti yang kami miliki pada rekaman pertama kami, tetapi menemukan sesuatu yang benar-benar unik. Lagu ini adalah bahan bakar di atas api. ”

Untuk mengetahui detail tentang suara baru mereka dan apa lagi yang akan terjadi, NME menghubungi Mike Kerr dengan cepat.

Halo Mike. Bagaimana Anda melewati masa-masa sulit ini?

Mike: “Musik adalah satu-satunya hal yang saya miliki untuk menjaga kewarasan selama enam bulan terakhir. Saya tidak bisa mengeluh, dan saya tidak akan! ”

Apakah Anda telah mengerjakan album melalui lockdown?

“Kami sebenarnya sedang membuat rekor sebelum lockdown penuh terjadi, kami harus menyebutnya demikian. Karena tidak aman bagi semua orang untuk bekerja. Kami memiliki sekelompok insinyur studio penuh dan orang-orang yang masuk dan keluar. Selama lockdown saya akhirnya mengutak-atik rekaman saya sendiri dan akhirnya menulis beberapa lagu lagi. Itu adalah waktu yang sangat kreatif bagi saya. ”

Jadi COVID mengubah jalannya rekor itu?

“Pastinya. Kami berada di tengah-tengah apa yang kami pikir akan menjadi album dan sangat bersemangat. Apa yang kami miliki luar biasa, hanya saja waktu istirahat dan waktu istirahat yang dipaksa ini membuat semuanya menjadi jeda. Rasanya seperti saya memiliki Jam Tangan Bernard dan bisa langsung mengekliknya. Untuk pertama kalinya dalam waktu yang lama, terasa begitu bebas tekanan. Seluruh dunia telah berhenti. Rencana saya adalah tidak membuat musik, tetapi setelah seminggu saya merasa gatal untuk melakukan sesuatu yang kreatif. Itu sangat bebas perawatan dan murni. Hasilnya, itu menjadi dua lagu terbaik dalam rekaman. ”

Apakah lagu-lagu baru itu mengatasi semua kengerian yang mengelilingi kita ini?

“Salah satu dari mereka melakukannya, tetapi ketika keadaan tidak bagus, saya tidak suka memainkan musik yang juga mengecewakan. Saya tidak suka menendang diri sendiri saat saya sedang down. Itu memberi rasa lapar dan keinginan untuk euforia dan untuk membuat sesuatu yang akan membuat saya merasa sangat baik. Dalam hal sonik, kami bergerak sebagai satu kesatuan secara ritmis. Bagi Ben [Thatcher, drum] untuk memberikan ketukan tarian sederhana namun tetap memiliki semua kepribadian dan bombastisnya di atas – rasanya seperti saya menari di atas ketukan drumnya. Ini adalah jenis musik yang membuat Anda tidak pernah duduk. Kami berdiri sepanjang waktu. Itu luar biasa. ”

Secara lirik, tentang apa ‘Trouble’s Coming’ itu?

“Itu lucu – itu benar-benar lagu yang gelap. Latar belakang musik menyandingkan apa yang saya katakan. Awalnya terasa agak aneh, tapi itu sebenarnya membuatnya lebih kuat. Saya tidak pernah suka menjelaskan lirik kata demi kata, sama halnya dengan lukisan tidak pernah disertai penjelasan dari senimannya. Tema lirik lagu ini dan seluruh album tidak berlangsung di tempat atau lokasi fisik mana pun. Itu semua terjadi di kepala saya sendiri dan pertarungan saya dengan analisis saya sendiri. Seluruh lagu dengan ‘Trouble’s Coming’ adalah sebuah perasaan, dan itu adalah perasaan yang saya kenal dengan baik. Ini lebih tentang mimpi buruk mental yang berulang yang saya alami. Saya merasa lebih nyaman bersikap jujur, terbuka, dan rentan, karena latar belakangnya sangat ceria.”

Apa yang dikatakan oleh ‘Trouble’s Coming’ tentang album baru lainnya?

“Semua trek di rekaman ini memiliki kepribadiannya sendiri. Ini merangkum perubahan dan perkembangan yang kami buat sebagai band dan sebagai manusia. Kami sadar bahwa kami sudah lama pergi, dan kami tidak ingin kembali dengan sesuatu yang telah kami lakukan sebelumnya. Ini menunjukkan kedewasaan di setiap level. Rekor ini bukan hanya 10 lagu berikutnya yang kami tulis tentang album terakhir. Kami menulis musik yang gila-gilaan setelah selesai tur. Bagi kami ini seperti rekaman keenam kami, tetapi secara resmi dirilis sebagai rekaman ketiga kami! ”

Jadi, apa yang baru?

“Ada lebih banyak elemen tambahan dan produksi mewah. Itu juga merupakan rekaman yang diproduksi sendiri. Saya tahu itu tradisional bagi seorang produser untuk mendorong dan menantang, tetapi kami merasa seperti ada orang yang menghalangi. Kami tahu dengan jelas apa yang ingin kami lakukan dan bagaimana kami ingin melakukannya. Rasanya seperti arah yang sangat rumit. Dengan musik rock, itu bisa dengan mudah salah. Anda ingin membuat sesuatu yang menakutkan dan dengan satu kesalahan, hal itu menjadi menyeramkan, yang sangat mengerikan. Atau Anda menginginkan sesuatu yang romantis dan kemudian di menit berikutnya hanya menjadi hal yang murahan. Rock sangat ekstrim, dapat menyoroti hal-hal ini dengan cepat. Seorang produser akan menahan kami atau mendorong kami sejauh ini sehingga akan menghancurkan DNA dan struktur band. Kami harus melakukan ini sendiri dan untuk diri kami sendiri.”

Anda memainkan dua lagu baru, ‘Boiler Maker’ dan ‘King’, dalam tur tahun lalu. Apakah mereka membuat rekor?

“Aku tidak bisa memberitahumu! Saya tidak diizinkan. Saya memiliki serangkaian instruksi ketat tentang apa yang tidak bisa saya katakan, saya telah merusak hampir semuanya. Tetapi saya tidak dapat memecahkan yang itu. ”

Pasti lega rasanya menyelesaikan tur itu, tidak tahu kapan Anda bisa melakukan perjalanan lagi?

“Saya lega, ya. Pelarian kecil itu sangat penting bagi kami. Anda perlu tahu siapa Anda sebelum Anda pergi ke studio rekaman. ”

Membaca & Leeds cukup bagus, ya?

“Itu sangat menakjubkan. Ini adalah festival tempat saya tumbuh besar dan tidak pernah berhenti membuat saya terpana. Bahwa kami bisa naik ke panggung itu dan memiliki pengalaman seperti yang kami lakukan. ”

Anda bermain sebelum The 1975 menjadi headline. Saya kira itu artinya Anda harus menjadi berita utama saat bermain lagi?
Aku akan kembali dan menyapu jika mereka mengizinkanku!

Setelah sekian lama, menurut Anda apa yang diharapkan penggemar Anda dari album ketiga Royal Blood?

“Saya telah belajar untuk tidak memperhatikan ekspektasi apa pun dari saya atau band. Ada saat dalam hidup saya di mana saya membiarkan hal itu menguasai saya dan itu membunuh hasrat dan kreativitas saya. Itu membunuh jiwa mengapa saya melakukan ini. Secara pribadi, saya sangat bangga dan merasa seperti kita telah membuat album terbaik kita. Jika ada yang tidak menyukainya, tidak apa-apa! Saya sangat tidak setuju dengan mereka dan mereka salah, tapi ini adalah catatan yang kami buat untuk diri kami sendiri. Hanya itu yang saya dengarkan setiap hari. Ada band di luar sana yang tidak ingin mendengarkan musik mereka setelah selesai, tapi bagi saya justru sebaliknya. ”

Jika Anda tidak termasuk dalam Royal Blood, apakah Royal Blood akan menjadi band favorit Anda?

“100%! Jika Anda bukan yang terbaik dalam hal yang Anda coba lakukan, lalu mengapa repot-repot? Anda mungkin tidak sampai di sana, tapi itu harus menjadi titik awalnya. Lebih baik menertawakan bahwa mimpi Anda begitu konyol daripada yang tidak cukup besar. Saya tidak ingin membatasi seberapa baik kita bisa. Untuk menjawab pertanyaan Anda, ya. Hanya album yang saya dengarkan, jadi saya berhasil! ”

‘Trouble’s Coming’ oleh Royal Blood sudah keluar sekarang. Lebih banyak berita tentang album ketiga mereka diharapkan dalam beberapa bulan mendatang.

Enam Musik yang Mengubah Hidup

Terkadang Anda mendengar musik yang menghentikan Anda di trek. Mungkin melodi, lirik, suara. Musik favorit kita dapat membentuk kita dan mengiringi momen-momen penting dalam hidup kita. Hubungan, pencapaian, dan tragedi. Soul Music adalah keseluruhan serial yang didedikasikan untuk momen musikal ini. Setiap episode menggunakan musik yang berbeda dan menjadikannya latar belakang untuk beberapa kisah pribadi yang indah, menyentuh hati, dan mengharukan. Berikut adalah enam karya musik yang mengubah hidup …

1. Can’t Take My Eyes Off You

“Itu adalah sesuatu yang saya tunggu-tunggu, seumur hidup”, kata Frankie Valli. Pada tahun 1967, dia membutuhkan single hit untuk memulai karir solonya, saat lagu ini muncul.

“Itu sangat luar biasa unik. Itu akhirnya menjadi salah satu lagu paling penting pada masanya. Atau sepanjang waktu harus saya katakan,” kenang Frankie.

Tidak banyak orang yang mengklaim telah mendengar lagu favorit mereka di luar angkasa. Tetapi itulah yang dialami oleh astronot Christopher Ferguson ketika istrinya menerima panggilan bangun pagi. Ketika dia berada di pesawat luar angkasa Endeavour …

2. Ada Cahaya yang tidak Pernah Padam

Lagu kebangsaan Smiths tentang harapan, kehilangan, dan cinta menampilkan salah satu lirik Morrissey yang paling pedih. Ia “lahir di suatu tempat antara meja kopi dan sofa”, kata jurnalis musik Simon Goddard. Ketika suatu malam musim panas pada tahun 1985 Morrissey pergi ke rumah gitaris Johnny Marr. Untuk menanyakan lagu apa yang dia dapatkan. Johnny kemudian menyebut pertama kali mereka memainkan lagu itu sebagai “lagu terbaik yang pernah saya dengar”.

Ketika putranya yang masih kecil hampir meninggal karena kanker. Sharon Woolley mendapatkan kekuatan yang sangat besar dari lagu tersebut saat dia duduk di samping ranjang rumah sakitnya. Pada jam-jam kecil di pagi hari. Ajaibnya, putranya pulih, dan Sharon tidak pernah melupakan bagian magis yang menurutnya dimainkan dalam lagu ini.

3. La Boheme

“Bagi saya, ini adalah opera yang sempurna karena tidak ada bar. Kata atau apapun yang ingin Anda ubah” – Direktur Opera, John Copley CBE.

Opera bohemian klasik Puccini menceritakan kisah kehidupan yang hidup tepat. Di tepi komunitas artistik yang miskin di Paris selama musim dingin. Ini adalah kisah cinta tentang seorang pahlawan wanita yang manis, Mimi. Yang jatuh cinta pada Rudolph, yang jatuh cinta padanya sesaat. Suatu malam dia mengunjunginya untuk menyalakan lilinnya. Saat dia menyentuh tangannya, dia mulai menyanyikan Your Tiny Hand Is Frozen.

Untuk pemuja opera Ray Tabb, lagu itu mengingatkannya pada pertama kali dia bertemu istrinya. Yang bekerja sebagai kondektur bus di Torquay, 1953. Dia menyanyikan lagu ini padanya saat dia turun dari bus dan hanya dua belas bulan kemudian, pasangan menikah. Meskipun Sylvia menderita demensia di tahun-tahun terakhir hidupnya, dia tidak pernah melupakan musik ini.

4. Simfoni Dunia Baru Dvorak

Sementara bagi banyak orang itu akan selalu dikaitkan dengan iklan TV roti irisan populer. Largo dari Dvorak’s New World Symphony adalah bagian abadi yang tidak pernah gagal untuk bergerak dan menginspirasi. Disusun oleh Dvorak pada tahun 1893 sebagai direktur National Conservatory of Music of America. Itu tetap menjadi salah satu simfoni paling populer sepanjang masa.

Bagi seorang pemain biola dan konduktor, karya itu benar-benar menyelamatkan hidupnya. Setelah latihan yang buruk, konduktor membagikan kisahnya tentang simfoni dengan orkestranya. Selama Depresi Hebat tahun 1930-an, kondektur berusaha mencari pekerjaan sebagai pemain biola. Membutuhkan uang sewa dan makanan untuk menghidupi keluarganya yang masih muda. Dalam keputusasaan dia pergi ke pegadaian. Menyerahkan biolanya, dan secara spontan membeli pistol sambil berpikir bahwa satu-satunya jalan keluar dari situasi ini adalah bunuh diri.

Saat dia berjalan keluar, dia melewati aula konser dengan poster di depannya bertuliskan ‘Hari ini Gratis: Simfoni Dunia Baru Dvorak’. Dan memutuskan untuk masuk. Duduk di belakang, dia memutuskan untuk menembak dirinya sendiri saat istirahat di kamar mandi, tetapi tertangkap basah. Oleh musik sebagai gantinya. Pada gerakan terakhir, dia memutuskan untuk tidak bunuh diri. Dan sebaliknya kembali ke toko gadai untuk mengambil biolanya untuk mencari pekerjaan lagi. Kisah dan hasratnya pada karya tersebut menginspirasi orkestranya. Dengan salah satu anggota menjelaskan bagaimana karya tersebut sekarang “menjangkau ke dalam jiwa secara mendalam. Dan membuat saya sakit”.

5. Albinoni’s Adagio di G Minor

Adagio karya Albinoni dalam G Minor adalah salah satu karya musik yang paling populer dan mengharukan. Tetapi, seperti yang dijelaskan oleh akademisi dan komposer Andrew Gant. Itu sebenarnya tidak ditulis oleh Albinoni dan sekarang dikaitkan dengan komposer Italia abad ke-20, Giazotto.

Koresponden asing veteran BBC pemenang penghargaan, Malcolm Brabant mengenang ‘pemain cello Sarajevo’. Vedran Smailovic, yang bermain sebagai Adagio Albinoni di G Minor setiap hari selama berminggu-minggu selama pengepungan Sarajevo. Saat bom jatuh. Malcolm merasa Vedran Smailovic dan Adagio di G Minor benar-benar menangkap kesedihan. Dan mengatakan dia tidak akan pernah lupa bahwa sementara ada orang yang menghadap Sarajevo mencoba membunuh penduduk. Ada pria ini yang menunjukkan bahwa musik lebih penting daripada artileri. Dengan musik membantu menjaga kota tetap hidup.

6. Tuan Langit Biru

Klasik off-beam ELO, Mr Blue Sky, dirilis sebagai single pada tahun 1978. Pertama kali muncul di album ELO ‘Out of the Blue’. Ditulis oleh Jeff Lynne, itu menjadi hit no.6 di Inggris, dan telah bertahan di gelombang radio sejak saat itu.

Lagu upbeat adalah lagu favorit suami Tracey Collinson, Nigel, yang menari bersama di dapur sepanjang waktu. Dan menjadi lagu kebangsaan keluarga mereka dan bagian besar dari hidup mereka. Setelah didiagnosis menderita kanker esofagus pada 2013 dan diberi waktu 3 tahun untuk hidup. Nigel meninggal dunia hanya dalam waktu 12 minggu.

Mengetahui betapa besar kegembiraan yang dibawa Nigel kepadanya dan anak-anaknya, Tracey merasa dia tidak bisa bersedih. Jadi memastikan Tuan Langit Biru dimainkan di pemakaman Nigel – yang berlangsung tepat di hari yang indah dengan langit biru cerah. Saat menyelenggarakan pesta amal untuk mengenang Nigel, putra Tracey menyarankan agar mereka merekam versi Tuan Langit Biru. Untuk mengumpulkan dana untuk Penelitian Kanker. Seluruh sekolahnya terlibat dan rekaman itu dijual sebagai single amal. Sekali lagi meminjamkan ketajaman untuk lagu klasik keluarga yang sangat mereka cintai.

Musikalitas dalam Puisi

Mudah untuk mengatakan bahwa beberapa puisi adalah musik, dan ketika kita menemukan puisi semacam itu, kita mungkin diam-diam mengangguk. Seolah-olah musikalitasnya adalah karakteristik yang terbukti dengan sendirinya yang perlu diakui hanya pada tingkat yang hampir tidak disadari. Kami mengatakan bahwa penyair tertentu memiliki telinga timah, sedangkan penyair lain memiliki telinga untuk mati. Kita tahu kapan puisi terdengar kikuk dan kita tahu saat kita merasa mendengar kuartet string dalam kata-kata. Apa yang memberi puisi (atau teks lain, dalam hal ini) kualitas musikalitas?

Saya menduga bahwa yang paling sering orang maksud adalah musikalitas pada level jarak dekat dari puisi: timbre dan ritme. Timbre dalam musik mengacu pada konfigurasi gelombang suara dan rangkaian nada yang menghasilkan perbedaan. Antara, katakanlah, klarinet dan biola. Salah satu cara untuk memikirkan sifat itu dalam istilah puisi adalah pada tingkat mikrokosmik fonem. Kombinasi tertentu dari suara konsonan dan vokal yang menciptakan berbagai suara dari warna-warni ke monokromatik, atau untuk tetap dengan model musik. Dari kekayaan suara dalam orkestra Stravinsky dengan, katakanlah, komposisi Philip Glass untuk kuartet saksofon. Aliterasi, asonansi, dan rima, baik yang jelas maupun yang halus, dapat menambah kekayaan suara dan lapisan pada makna puisi. “On Musicality in Verse” dari Kenneth Burke menawarkan analisis rinci tentang manifestasi mikrokosmik musikalitas dalam puisi.

Saya menganggap meteran atau ritme terjadi di latar depan komposisi, seperti timbre dan melodi. Bukan hanya bahasa puitis ritualistik atau padat yang menunjukkan ritme musik; percakapan biasa bisa sangat musikal. Misalnya, Frank O’Hara memberi kita ritme drama, menggelora atau tenang, dalam kata-kata kasar dan obrolannya.

Kata-kata di Atas Kanvas

Kami juga menyebut beberapa puisi “musikal” dalam arti “painterly”. Kata-kata yang digunakan sebagai warna dan tekstur yang dilukis di atas kanvas. Disusun sedemikian rupa untuk memberikan kenikmatan estetika atau intelektual. Koherensi naratif, deskriptif, dan representasional berada di belakang permainan bentuk: penjajaran, motif berulang. Dan lapisan penandaan yang maknanya berasal dari permainan gambar dan suara yang relatif abstrak.

Namun rasa musikalitas lainnya adalah yang kami maksud ketika kami berbicara. Tentang fugue terkenal James Joyce dalam prosa di bab Sirens dari Ulysses. Suara fugue diterjemahkan ke dalam suara karakter, dan pengulangan melodi fugal diwakili oleh materi pelajaran atau mode retoris (deskripsi, misalnya). Demikian pula, pernah bisa membuat kasus untuk perubahan tiba-tiba dalam perspektif dan gaya di Milan Kundera’s Book of Laughter. And Forgetting sesuai dengan perubahan mendadak mirip rondo dalam beberapa komposisi oleh Janacek. Yang merupakan guru dari ayah ahli musik Kundera. Latihan de style Raymond Queneau dapat dianggap sebagai tema dan variasi.

Korespondensi antara seni, tentu saja, tidak tepat tetapi sugestif. Polifoni, misalnya, dapat dikemukakan oleh keserentakan pemikiran, dialog, atau tindakan para karakter. Seperti dalam delapan suara fugue dalam Ulysses (Zimmerman 108-13).

Kondisi Musik (Instrumental) Pater

Dengan semua manifestasi musikalitas dalam puisi ini, ada penekanan pada materi dan materialitas bahasa. Bunyinya, permainan formal, dan permainan motif dan konotasinya yang tambal sulam. Penekanan ini mengingatkan pada pernyataan Walter Pater hampir lima puluh tahun sebelum penulisan Ulysses: “semua seni terus-menerus menginginkan kondisi musik”. Terlepas dari absolutisme pernyataan yang luas dalam penegasannya tentang keunggulan estetika musik dan musikalitas sebagai cita-cita yang dicita-citakan semua seni. Ia menyarankan beberapa kemungkinan untuk korespondensi antara musik dan sastra. Dengan cara yang menjauh dari perhatian mimetik menuju apresiasi untuk permainan formal. Patricia Herzog berspekulasi bahwa kondisi musik ideal yang dijagokan Pater sebagai Parnassus of the Arts. Bukanlah musik vokal atau gesamtkunstwerk seperti opera melainkan musik instrumental atau kamar:

Musik absolut akan sangat cocok untuk dijadikan contoh
Tesis Pater karena tidak ada yang asing dengan
medium musik itu sendiri, medium terdiri
semata-mata dari bentuk-bentuk bergerak yang diatur secara melodi,
secara harmonis dan ritmis. Bentuk dan
konten musik absolut akan tampak seperti itu
identik. (Herzog 125)

Materi

Herzog menyatakan bahwa ide musik Pater terdiri dari “” penghapusan perbedaan antara materi dan bentuk “dan merangkul”. Alasan imajinatif “atas” indra dan intelek yang beroperasi dalam isolasi “(126). Dengan kata lain, tujuan seni adalah “persepsi murni”. Dan untuk mencapai keadaan ideal itu, seni harus melepaskan “tanggung jawabnya pada subjek atau materinya” (127). Bagi Pater, materi dan bentuk harus “disatukan” sehingga intelek bukanlah satu-satunya fakultas yang dirangsang oleh konten. Dan indra bukan satu-satunya fakultas yang dirangsang oleh bentuk. Alih-alih, pencampuran bentuk dan materi harus “menghadirkan satu efek tunggal pada ‘alasan imajinatif’. Kemampuan kompleks yang di dalamnya setiap pikiran dan perasaan dilahirkan kembar dengan analog atau simbolnya yang masuk akal.”

Herzog menekankan bahwa pengalaman musikalitas dalam seni lebih bersifat estetika daripada logis. Karena “konten ideal musik dipahami sepenuhnya dan hanya melalui bentuknya sendiri yang bergerak secara tonally”. Sedangkan seni rupa dan sastra (zaman Pater) bergantung pada representasi mimetik. Makna musik diungkapkan melalui “kemandirian estetika” (130).

Perbedaan dengan Logika

Perbedaan yang dibuat Herzog antara estetika dan logika dalam konten musik masih belum jelas. Karena “bentuk yang menggetarkan hati” musik dapat memiliki jenis interaksi logisnya sendiri. Namun, yang paling menarik bagi saya tentang penyempurnaan Herzog dari pepatah pepatah musik adalah gerakan. Dalam perhatian dengan musikalitas dalam puisi. Menjauh dari perhatian mimetik ke bahasa yang menarik perhatian pada dirinya sendiri sebagai media. Kata-kata sebagai motif musik atau sapuan kuas. Analogi musik. Menurut saya, menawarkan kemungkinan yang lebih kompleks daripada melukis (tetapi ini bisa jadi hanya karena musik adalah disiplin pertama saya). Seperti halnya motif dapat divariasikan (dibalik, dihias, ditambah secara ritmis, dan sebagainya). Begitu juga sebuah kata bisa divariasikan berdasarkan konteks, konotasi, dan sebagainya.

Dan salah satu penyair yang, menurut saya, paling mencontohkan jenis musikalitas ini adalah Barbara Guest. Jika saya bisa mengumpulkan tindakan saya untuk melanjutkan utas ini, saya ingin melihat dari dekat salah satu puisi Tamu. Seolah-olah itu adalah komposisi musik (terlepas dari batasan yang melekat dalam analogi semacam itu).